Saboreando el maíz ruso

kukuruza
Rusia es un país en el que uno no suele pensar al hablar de country. No obstante, hoy reseñaremos una excepción a esta regla: el grupo de bluegrass ruso Kukuruza, que en ruso significa “maíz”.
Comenzó su andadura a mediados de los años 70 como una formación de estudiantes llamada Ornament. A mediados de la década siguiente, cambiaron su nombre por Kukuruza y su indudable calidad ha hecho que perduren en el tiempo (todavía hoy se encuentran en activo, aunque con diferentes miembros de los originales). Centrados en el bluegrass, aprendieron a tocar de manera autodidacta instrumentos como el dobro, la mandolina, el banjo o el fiddle, nada habituales en su Rusia natal.
Durante los primeros tiempos, no les resultó fácil abrirse paso, ya que en la URSS la música occidental no estaba bien vista y las emisoras de radio americanas seguían prohibidas. Aun así, hicieron frente a esos obstáculos y, con la tímida apertura del régimen y su posterior colapso en 1991, empezaron a hacer giras por Estados Unidos y editaron algún disco en aquel país. En concreto, tres: Kukuruza (1992), Crossing Borders (1993) y Endless Story (1998). En Rusia han sacado otros 12, el último de ellos en 2012 para celebrar sus veinticinco años. Escuchemos ya algunas muestras de su trabajo.
En primer lugar, за камень (Beyond the Rocky Mountain), que se incluye en Endless Story (1998).

El maestro del dobro Jerry Douglas y su hija Olivia se unieron a Kukuruza para esta magnífica pieza instrumental.

El siguiente tema, Secret, pertenece a бесконечная история (Endless Story, 1996).

Vamos ahora con una canción cosaca titulada снежочки (Bolas de nieve).

En su disco The Magician (фокусник, 1988), aparecía с богом милый мой (Go With God, My Darling), cantada por Irina Surina.

También se adentraron en el folk. All the Pretty Little Horses es una conocida nana americana. Kukuruza incluyó una versión en su disco Давайте петь по-английски (Let’s Sing in English, 1986).

En su disco бесконечная история (Endless Story, 1996), interpretaron Those Memories of You, compuesta en 1979.

Порушка Параня o Porushka-Poranya es una canción tradicional rusa que se ha llegado a definir como “el himno del movimiento del folklore joven”. Originaria del pueblo de Pedsoronee, en la región de Belgorod, Kukuruza la interpretó en clave bluegrass en el programa de televisión Nashville Now, en el curso de su gira por Estados Unidos allá por 1993.

En ese mismo programa interpretaron su versión del clásico folk Wayfaring Stranger, en la voz de Irina Surina, la cara visible del grupo.

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Cuando el folk te expone a ir a la cárcel

foggy dew
Hoy vamos con una balada folk cuyo origen es difícil de precisar, como pasa tantas veces en este género. Se cree que data de 1815, cuando empezó a cantarse en las tabernas inglesas, aunque Burl Ives, que la popularizó, afirmaba que ya era conocida en Estados Unidos en el siglo XVIII y que procedía seguramente de Inglaterra. Sea como fuere, cuenta la historia de un hombre soltero cuyo mayor error, según la letra, es cortejar a una chica: para protegerla del rocío y la niebla de la noche, la acoge en su cama. La última estrofa nos presenta al mismo tipo, que ahora vive con su hijo –presumiblemente la muchacha murió en el parto– y, al mirarle, le recuerda a su amor de juventud.
En los años 30 Ives se lanzó a la carretera y se dio a conocer cantando temas folk, que había memorizado en la infancia, fruto de su ascendencia irlandesa y escocesa. Según su autobiografía Wayfaring Stranger (1948), en una ocasión estaba interpretando Foggy, Foggy Dew en una ciudad de Utah y las autoridades lo encarcelaron por considerar la letra obscena.
Escuchemos primero la versión más popular, la del actor y cantante Burl Ives.

En 1956, Red Skelton, una famosa estrella de la televisión, grabó su propia versión y, para evitar problemas con la ley y la moral del público –Estados Unidos era entonces un país muy conservador–, convirtió a la pareja en marido y mujer.

Marty Robbins la interpretó en Portrait of Marty (1962).

Roger Whitaker nació en Narobi pero desarrolló su carrera principalmente en Reino Unido. A su disco Folk Songs (1977) pertenece esta versión.

El bluegrass visita al rock (y II)

bluegrass rock
Hoy vamos a seguir explorando cómo el bluegrass ha tratado a la música rock, con versiones que nos llevarán desde los Rolling Stones a Cream pasando por Dire Straits y muchos otros.
Vamos primero con un tema folk que el grupo de rock británico The Animals convirtió en un éxito en los años 60, House of the Rising Sun. El grupo de folk-bluegrass canadiense The Dead South se apuntó esta versión.

O Bardo e o Banjo es un grupo de bluegrass nacido en São Paulo en 2012. Una de sus grabaciones es esta versión de Walk of Life, el conocido tema de Dire Straits.

En este repaso por los clásicos del rock no podían faltar los Rolling Stones. Escuchemos Sympathy for the Devil en la versión del álbum The Bluegrass Tribute to Classic Rock Volume Two.

En 1957 Jerry Lee Lewis triunfaba con Great Balls of Fire (vendió un millón de copias en solo diez días). El título de la canción hace referencia a una expresión de asombro que era muy utilizada en el sur de Estados Unidos. New Grass Revival la incluyó en su disco homónimo de 1972.

El bluegrass también le ha hincado el diente a una de las muestras más conocidas del rock sureño, Sweet Home Alabama. Esta es la versión de Larry Cordle y los Lonesome Standard, perteneciente a su disco Best of Pickin’ on Lynyrd Skynyrd: The Ultimate Bluegrass Tribute.

Con la llegada del siglo XXI surgía el grupo bluegrass Hayseed Dixie, que, entre otros clásicos, versionó Black Magic Woman, un tema compuesto por Peter Green, el fundador de Fleetwood Mac.

Del álbum Killer Grass (2010), de Hayseed Dixie, es esta versión de Bohemian Rhapsody.

El grupo de rock Survivor compuso Eye of the Tiger. Os dejo con una versión bluegrass que podemos disfrutar en The Bluegrass Tribute to Classic Rock.

Ahora, escuchemos la versión bluegrass de Cocaine, un tema escrito por J. J. Cale en 1976, grabado por él y de nuevo por Eric Clapton al año siguiente en su álbum Slowhand. Esta versión pertenece a The best of pickin’ on Eric Clapton (2007).

Termino con un clásico de Cream obra de Jack Bruce y Pete Brown, White Room, interpretado aquí por el grupo Cache Valley Drifters en su disco White Room (1996).

El bluegrass visita al rock (I)

bluegrass rock
Una forma de saber si una canción es realmente buena es someterla a la prueba del tiempo y ver si aguanta su paso. Pero en esta entrada –y en la siguiente, porque sobran los ejemplos– os propongo una fórmula más novedosa. ¿Por qué no hacer un simple experimento con el “clásico” en cuestión? Cojamos la canción y cambiémosla de estilo a ver cuál es el resultado.
A esto es a lo que se han dedicado –con mayor o menor fortuna, lo dejo a vuestro criterio– algunos grupos de bluegrass con canciones emblemáticas del rock, creando una suerte de rockgrass. En los siguientes enlaces veremos, pues, cómo quedan canciones muy reconocibles del rock al tratarlas con instrumentos típicos del bluegrass como el banjo, la mandolina… ¿Empezamos?
Un grupo al que se le da muy bien esto de transformar estándares de rock en bluegrass es Iron Horse. Lo hicieron, por ejemplo, con el tema de Guns ‘n Roses Sweet Child O’Mine (1987).

Retrocedamos a los años 70, en concreto a 1972, cuando Elton John triunfó con Rocket Man. Pues así suena esta canción en clave bluegrass. De nuevo, sus responsables son Iron Horse.

El escritor alemán Hermann Hesse escribió allá por los años 20 una novela llamada El lobo estepario, cuyo título original es Steppenwolf. Quizá os suene el nombre, porque fue recuperado por una banda de rock de los años 60 y 70. Uno de sus mayores éxitos fue Born to Be Wild que, por cierto, aparecía en la película Easy Rider (1969). Así la concibió Iron Horse en clave bluegrass.

El grupo finlandés Steve ‘n’ Seagulls se fijó en los australianos AC/DC para su primera versión de un tema rock. Versionó su conocido Thunderstruck (1990).

El grupo Cornbread Red está formado por Stan Dailey, Dennis Clifton, Mark Scott y Mark Whitehead. En el álbum The Bluegrass Tribute to Classic Rock, versionaron Have you ever seen the rain, de Creedence Clearwater Revival.

Otro de los temas más conocidos del rock es Smoke on the Water, de Deep Purple. Esta es la versión de Cornbread Red, perteneciente al álbum anterior.

Todo en mundo quiere ir al cielo… pero nadie quiere morir

hymns loretta
La sugestiva frase que da título a esta entrada ha sido utilizada por varios compositores como tema de sus canciones. Os traigo tres ejemplos –dos de country y uno de blues–, independientes entre sí pero con esa idea en común.
Casi al principio de su carrera –fue su quinto trabajo–, Loretta Lynn escribió Everybody wants to go to heaven (but nobody wants to die) para su disco Hymns (1965). La propia Loretta volvió a versionarla en su más reciente Full Circle (2016), que ya escuchamos aquí. En la letra, la cantante brinda dos ejemplos bíblicos para demostrar esa máxima: el rey de Judea Ezequías no quería morir y Dios le dio otros 15 años de vida (según Isaías, 38, 5), y Jesucristo, aunque sabía que debía entregar su vida siguiendo el plan de su padre, fue valiente hasta que Judas le traicionó, y lloró porque no quería morir.

Jim Collins y Mary Dodson se sirvieron de la misma idea para escribir Everybody wants to go to heaven, que Kenny Chesney incluyó en su disco Lucky Old Sun (2008). Un predicador exhorta al protagonista a dejar el whiskey y las mujeres y llevar una vida más recta para poder entrar en el cielo. Sin embargo, aunque “todo el mundo quiere ir al cielo, nadie quiere ir ahora”.

Por último, a modo de bonus track, todo un clásico del blues que comparte el mismo título. La versión que vamos a escuchar se la debemos a Albert King –uno de los tres “kings” del blues junto a B.B. King y Freddie King–. Obra de Don Nix, apareció en su álbum Lovejoy (1971). Escuchemos ya Everybody wants to go to heaven.

Lárgate, Jack

hit the road jack

En este río de la música que es riverofcountry, hoy voy a hablar de una conocida canción de rhythm and blues y de su no menos conocida versión canónica, obra del gran Ray Charles.

Hit the road, Jack fue escrita por Percy Mayfield en 1960. Este había sufrido un grave accidente de tráfico en 1952 que le dejó secuelas en el rostro, lo que hizo que abandonara su carrera de intérprete para centrarse en su faceta como compositor. Lo llamaron “el poeta laureado del blues“. Al año siguiente, en 1961, la grabó Ray Charles, que ganó con su trabajo un Grammy en la disciplina de rhythm and blues. Está estructurada como un diálogo en el que un grupo de chicas le pide a un hombre que se vaya –al haberse quedado sin dinero ya no les interesa–, y él reclama un poco de paciencia, porque confía en sobreponerse a sus actuales dificultades.

Percy Mayfield la grabó por primera vez como una maqueta para enviársela a Art Rupe, un productor musical muy importante en la época que trabajaba en Specialty Records –y que, por cierto, el año pasado llegó a centenario–, y así darla a conocer.

La grabación que pasaría a la historia es, como ya hemos avanzado, la de Ray Charles con el grupo The Raelettes, capitaneado por Margie Hendrix (ella y Ray fueron amantes durante un tiempo). Charles conoció el tema por mediación de su autor, buen amigo suyo.

El grupo británico The Animals hizo una versión en 1966.

Su fama traspasó fronteras. Esta es la versión en sueco de Monica Zetterlund, con el título Stick iväg Jack.

Ahora, Mo’ Horizons la interpreta en portugués con el nombre Pé na Estrada.

Susie Quatro también la incluyó en su repertorio en 1974.

En la película Una pandilla de lunáticos (1989), aparece cantada por Buster Poindexter.

Os dejo con la versión instrumental que hizo la Tokyo Ska Paradise Orchestra en 1990.

El océano enloqueció… y nosotros tuvimos la culpa

the dead south

El bluegrass surgió en las zonas del centro de Estados Unidos, particularmente en Kentucky. Por ello resulta cuando menos chocante que un grupo canadiense –tan lejos del mapa– haya captado a la perfección el espíritu de este estilo.

Formado por Nate Hilts, Scott Pringle, Danny Kenyon y Colton Crawford –este último abandonó la formación en 2015 y fue sustituido por Eliza Mary Doyle–, The Dead South nació en 2012. Nate y Danny ya habían tocado juntos en el instituto, inspirándose en grupos como The Old Crow Medicine Show o Trampled by Turtles. Se lucieron con algunos conciertos en directo, pero no se lanzaron a grabar hasta el año 2013, cuando sacaron su primer EP de sólo cinco canciones, The ocean went mad and we were to blame, título que da nombre a la entrada de hoy, y que editaron de forma independiente, sin el abrigo de ningún sello discográfico.

A raíz de este trabajo, firmaron un contrato discográfico con el sello alemán Devil Duck Records, que editó su segunda obra, un disco de mayor duración, Good Company (2014). Mientras lo estaban promocionando por Europa, su talento llegó a oídos del sello canadiense Curve Music, que envió a uno de sus directivos para contratarlos. Fueron ellos quienes reeditaron Good Company y publicaron su tercer trabajo, Illusion & Doubt. Escuchemos un par de temas de cada uno de sus discos.

De su EP The ocean went mad and we were to blame, empezamos con Fruit and Salad.

Otro de los temas de ese EP es Wishing Well, en cuya letra el narrador lanza una moneda al pozo de los deseos con la esperanza de estar al lado de su amada.

In hell I’ll be in good company pertenece a Good Company (2014). Un hombre no ve salida a la vida y confía en que en el infierno esté en mejor compañía.

Os dejo con Long Gone, de ritmo muy rápido.

Su último álbum es Illusion & Doubt (2016), que se abre con Boots.

Termino por hoy con The Good Lord, del mismo álbum. Se trata de una canción antibelicista en la que un soldado, obligado a ir a la guerra, se pregunta qué está haciendo ahí y pide a Dios que le mantenga a salvo para poder ver a su hijo, ya que su mujer está embarazada.

John Steinbeck y el folk

tomjoad

En el disco folk del que os voy a hablar hoy, Bruce Springsteen establece una relación entre la literatura y la música. Me explico: la novela de cabecera de John Steinbeck es Las uvas de la ira, un clásico de la literatura social ambientado en los años de la Gran Depresión. Su protagonista lleva por nombre Tom Joad, y el disco de Bruce –sin duda, uno de sus mejores trabajos– se titula The ghost of Tom Joad (1995). Centrado en las condiciones de vida y las dificultades del hombre común, ganó el Grammy al mejor álbum folk en la edición correspondiente.

Vamos con el tema que da título al disco. Dedicado a la clase trabajadora en general y a su particular lucha por la vida, una de sus estrofas recuerda el parlamento más famoso de la novela (y de la adaptación cinematográfica posterior): “Donde haya un policía pegando a un tipo, siempre que llore un recién nacido hambriento, donde haya una pelea contra la sangre y el odio sobrevuele el aire, búscame, mamá, estaré allí, donde alguien luche por un lugar en que quedarse o un trabajo decente o una mano amiga, dondequiera que alguien luche por ser libre, mira sus ojos, mamá, me verás a mí”.

Para componer la canción que acabamos de escuchar, Bruce se inspiró en una anterior: en 1960, Woody Guthrie escribió The ballad of Tom Joad, en la que narra la vida de Joad según el texto de Steinbeck.

Otro tema es Youngstown, nombre de una localidad de Ohio cuya historia desgrana Springsteen a lo largo de la canción, desde el descubrimiento del mineral del hierro en 1803, que dio lugar a sus famosas fábricas de acero, hasta la actualidad. El narrador es un veterano de Vietnam cuyo padre luchó en la Segunda Guerra Mundial y que, tras esta, trabajó en las fábricas de acero en unas condiciones muy precarias hasta el cierre del complejo por no dar beneficios.

En The New Timer Springsteen habla sobre un hombre que se ve obligado a dejar su hogar para buscar trabajo, y las circunstancias le llevan a convertirse en un vagabundo.

 

Como hermanos (y XXV): Dixon Brothers

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Brother in old town of Prague

Después de casi tres meses y medio nos despedimos de esta serie con los hermanos Dixon, Dorsey (1897-1968) y Howard (1903-1960).

Nacidos en el seno de una familia numerosa de Carolina del Sur, a temprana edad abandonaron el colegio para trabajar y contribuir, así, al sustento de los suyos. Dorsey tenía doce años y Howard diez cuando se colocaron en la fábrica textil de su pueblo y experimentaron en sus carnes la dureza de las condiciones laborales (luego escucharemos algún tema en el que rememoran cómo era la vida en las fábricas de tejedores).

Como vía de escape se refugiaron en la música. A los 14 años, Dorsey ya sabía tocar la guitarra, que luego abandonaría por el fiddle, mientras que su hermano menor, Howard, se seguía ejercitando con el primer instrumento. A la sazón, su principal influencia era Jimmy Tarleton, quien había trabajado para el dúo Darby and Carleton.

A principios de los años 30 solían tocar juntos a nivel local, pero su fama no llegaría hasta 1934, cuando empezaron a aparecer asiduamente en la radio. Esa visibilidad les valió su primer contrato discográfico, dos años más tarde, con RCA Victor. Allí desplegaron una febril actividad que se vio interrumpida por el estallido de la Segunda Guerra Mundial: el interés del público decayó y, para el final de la misma, su carrera estaba prácticamente finiquitada. Volvieron, pues, a la industria textil, pero Dorsey no tardó en abandonar el trabajo por problemas de salud y Howard, que se resistió a hacerlo, murió en 1960 por las malas condiciones del negocio. Su hermano lo siguió a la tumba ocho años más tarde.

Uno de los primeros temas que grabaron fue Intoxicated Rat, compuesta por Dorsey Dixon. Se trata de una canción humorística sobre un hombre que llega borracho a casa, se le derrama un poco de alcohol en el suelo y, atraída por él, una rata sale de su escondite, lo prueba ¡y parece que le gusta! “Ni un gato podría hacerme volver a la ratonera”, piensa. Finalmente, aparece el aludido gato pero, gracias al valor que le ha infundido la bebida, la rata es más rápida que él y se pone a salvo.

Vamos ahora con un tema góspel, Have Courage to Only Say No, en la que el narrador insta a tener el valor necesario para decir “no” a la tentación.

En 1929, Dorsey escribió un poema sobre un incendio en una escuela, y entendió que la letra podía ser cantada con la melodía de un himno góspel muy conocido en aquel tiempo, Life’s Railway to Heaven (que ya hemos escuchado aquí). Terminó grabándola en 1936. La letra de The School House Fire está inspirada en la tragedia del colegio de Collinwood (Ohio), que tuvo lugar en 1908 y terminó con la vida de 172 niños, dos profesores y un miembro de las fuerzas de rescate.

Vamos ahora con otro tema que sigue la melodía del himno góspel citado anteriormente, Life’s Railway to Heaven. Weaver’s Life se basa en los años que los hermanos pasaron en la fábrica textil. La grabaron en 1937.

Con esa misma temática, Weave Room Blues.

Y otra más, una tercera: Babies in the Mill Dorsey cuenta cómo los niños de ocho y nueve años se veían obligados a trabajar en las fábricas, descuidando su educación y soportando las inclemencias del tiempo.

Dorsey Dixon compuso Didn’t Hear Nobody Pray en 1937, tras un grave accidente de tráfico, y la grabó al año siguiente. Roy Acuff la interpretó en 1942 con el título Wreck on the Highway y la convirtió en un gran éxito. Llegó a registrarla como suya, lo que provocó una demanda de Dixon que, en 1946, salió adelante. A partir de entonces, le fue dado cobrar sus derechos como compositor, pero no hizo caja con las ventas de los años anteriores. La canción habla de un accidente automovilístico que suscita el interés de la población local, pero el narrador se lamenta de que nadie de los presentes rezara por los fallecidos.

Nos despedimos con un poco de historia. En 1920 se decretó en Estados Unidos la Ley Seca; sin embargo, y sobre todo en las zonas rurales, la gente seguía destilando alcohol ilegalmente en sus granjas. Cuando Roosevelt llegó al poder en 1933, una de sus primeras medidas fue derogar la ley, dando así fin a la Era de la Prohibición. En este marco se encuadra The Old Home Brew. El narrador, aunque se alegra de que el alcohol vuelva a ser legal, se pregunta qué van a hacer con todas las reservas que tenían preparadas…

 

Como hermanos (XXIV): Morris Brothers

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Brother in old town of Prague

Como estamos viendo a lo largo de esta serie, los años 30 fueron el caldo de cultivo propicio para los grupos de hermanos. Veamos otro ejemplo. Zeke y Wiley Morris nacieron en Carolina del Norte en 1916 y 1919, respectivamente. En sus inicios fueron tres, pero el mayor, George, pronto abandonó el grupo, mientras que el menor, Wiley, no se incorporó a la formación hasta 1938. La llegada de Homer Sherrill, que tocaba el fiddle, añadiría lustre al grupo.

Trabajaron para dos sellos, Bluebird y RCA Victor y, tras la Segunda Guerra Mundial, se retiraron del mundo de la música, aunque volverían a juntarse, también con Sherrill, en 1972 con motivo de un disco de grandes éxitos. Ya no volverían a mostrar interés en la industria hasta su muerte en 1999 y 1990, respectivamente. Una de sus grabaciones más conocidas fue Let Me Be Your Salty Dog (1938), que ya escuchamos en la versión de los Allen Brothers. Esta de los Morris Brothers gozó de tal éxito que, a menudo, figuran como compositores de la misma, aunque el autor es desconocido.

A ese mismo año pertenece Darling Think What You Have Done. En la canción, de tono melancólico, el narrador recrimina en sueños a su pareja que le esté haciendo sufrir.

En 1939 grabaron Farewell Kentucky, un tema que bordea la frontera del western swing con el violín de Sherrill como protagonista.

Con el sello RCA grabaron Grave Upon the Green Hillside, en la que el narrador contempla con dolor la tumba de su madre en las verdes laderas.