Linda Ronstadt en español

canciones de mi padre
Aprovechando que hoy es el cumpleaños de una de las leyendas vivas más grandes del country, Linda Ronstadt, os voy a hablar de sus tres discos cantados íntegramente en español (los tres se alzaron con el Grammy en sus años respectivos).
Ronstadt nació en 1946 en Tucson, Arizona, estado fronterizo con México. Su abuelo, Federico José María Ronstadt, era mexicano y emigró a Tucson, donde triunfó como empresario (la principal estación de autobuses de Tucson lleva su nombre). Cuando Linda decidió dedicarse a la música, no se olvidó de sus raíces.
En 1987 salió su primer disco en español, Canciones de mi padre, de sabor netamente mexicano, con bandas mariachi y todo (en concreto, intervienen los grupos Mariachi Vargas, Mariachi Los Camperos y Mariachi Sol de México). Ostenta el honor de ser el disco en español más vendido en Estados Unidos de todos los tiempos. Linda señaló que la cantante mexicana Lola Beltrán había ejercido una notable influencia sobre ella y recordó cómo Eduardo Lalo Guerrero, amigo de la familia y padre de la música Chicano, solía cantar para ella cuando era niña.
Escuchemos tres temas de cada álbum. Del primero os dejo con Por un amor, escrito por Gilberto Parra.

Otro tema del disco es Tú solo tú, compuesto por Felipe Valdez Leal.

Ahora, Hay unos ojos, de Rubén Fuentes.

Su segundo álbum en español llegó cuatro años después. Lleva por nombre Mas canciones, y en él contó con la colaboración de sus hermanos Pete y Mike. Sobre su realización, la artista contó que “había empezado a grabar un disco en inglés pero no me gustaba y lo deseché. Dormía y soñaba en español y estas canciones me volvían loca. Me levantaba en mitad de la noche y pensaba que quienes se sabían estas canciones eran mayores y cuando se fueran no habría nadie que me ayudara a hacerlo. No lo quise posponer un minuto más”.
En primer lugar, Tata Dios, de Valeriano Trejo.

El Toro Relajo, compuesto por Felipe Bermejo.

Siempre Hace Frío, obra de Cuco Sánchez.

Escuchemos ahora fragmentos del tercero, Frenesí (1992), inspirado en su trabajo para la banda sonora de Los reyes del Mambo, del mismo año.
Frenesí, el tema que da título al disco, fue escrito por Alberto Domínguez y Leonard Whitcup.

Ahora, Entre Abismos, de Víctor Manuel Mato, en una interpretación en directo.

Os dejo con Piel Canela, escrita por Bobby Cappó, Silvano Michelino y X. Regianni.

Existe otro álbum recopilatorio, aparecido en 2004, con el título Mi Jardín Azul: Las Canciones Favoritas, que incluye grabaciones provenientes de los tres anteriores, así como Lo siento mi vida y Adonde voy, que vamos a escuchar a continuación.


Finalmente, tampoco podemos olvidar que Linda Ronstadt versionó en español una de sus canciones más emblemáticas, Blue Bayou, de Roy Orbison, con el nombre El Lago Azul (ya tuvimos ocasión de escucharla en la entrada correspondiente a Blue Bayou).

Trio. Dolly Parton, Linda Ronstadt y Emmylou Harris, 1987

trio
La reunión de estas divas del country, Parton, Ronstadt y Emmylou, no fue posible hasta este álbum, aunque ya lo habían intentado a mediados de los 70, cuando trabajaban para distintos sellos discográficos. Grabaron, es cierto, alguna canción esporádica, pero el material no llegó a editarse en un disco conjunto. Mr. Sandman, por ejemplo, grabada hacia 1977, fue incorporada por Emmylou Harris a su disco Evangeline (1981), y, cuando lo sacó como single, lo tuvo que volver a grabar en solitario, ya que sus compañeras pertenecían a otras casas.

A su vez, My Blue Tears, de Dolly Parton, aparecería en Get Closer (1982), de Linda Ronstadt.

Trio ganó el Grammy a la mejor colaboración en dúo o grupo, fue nominado al mejor álbum del año y una de sus canciones, Telling me Lies, se quedó a las puertas en la categoría de mejor canción country. En 1999, las tres artistas se reunirían de nuevo para grabar Trio II. Pero no adelantemos acontecimientos y repasemos ya la primera parte.
To know him is to love him es una versión de una canción escrita por Phil Spector en 1958, cuyo título está sacado de las palabras que figuran en la tumba de su padre. Escuchemos la versión del trío protagonista.

Os dejo ahora con la original de 1958 de los Teddy Bears, grupo al que perteneció Phil Spector en su juventud. Los otros miembros eran Marshall Leib, Annette Kleinbard y Sandy Nelson.

Wildflowers, escrita por Dolly Parton, fue el cuarto y último single extraído de este álbum. Parton reflexionó en él sobre la libertad y utilizó como metáfora las flores salvajes, a las que “no les importa dónde crecen”. Al igual que ellas, la protagonista se niega a “marchitarse en un solo lugar”: “Hice autoestop con el viento y, dado que era mi amigo, le dejé decidir dónde ir. Cuando una flor crece libre, siempre puede sobrevivir”.

Those Memories of You fue compuesta por Alan O’Bryant en 1979. Fue el tercer single de Trio.

Vamos ahora con la canción nominada a los Grammy, Telling me Lies, su segundo single. Escrita por Linda Thompson y Betsy Cook en 1985, habla de una mujer que se arrepiente, una vez que la relación ha terminado, de haber atendido a su pareja contándole mentiras.

The Pain of Loving You fue escrita por Dolly Parton y su colaborador de juventud, Porter Wagoner. Os dejo con la versión de Trio.

Ambos la habían grabado ya en Two of a Kind (1971).

I Can’t Help it if I’m Still in Love with You. Hank Williams, 1951

i can't help it
Hank Williams consiguió otro single de éxito para MGM Records con este I Can’t Help You if I’m Still in Love With You, que grabó en Nashville en marzo de 1951.
La canción, hoy todo un clásico, comienza con un lamento de guitarra de Don Helms. El narrador no se hace a la idea de que su anterior pareja haya rehecho su vida: “No lo puedo evitar si todavía estoy enamorado de ti”.
Williams contó para este tema con la colaboración de sus habituales, los Drifting Cowboys, esto es, el citado Don Helms, Jerry Rivers, Bob McNett, Hillus Butrum y Ernie Newton.

Vamos ahora con una de las pocas apariciones de Hank Williams en televisión. En este vídeo, de abril de 1952, interpreta la canción con Anita Carter.

Linda Ronstadt nos brindó esta versión en su álbum Heart Like a Wheel (1974).

Patsy Cline la canta de una forma más lenta en Sentimentally Yours (1962) con los coros de The Jordanaires.

Ray Price, amigo de Hank, sacó un álbum versionando temas de este. Apareció en 1976 con el título Hank and Me.

A principios de su carrera musical, con apenas 19 años, Ricky Nelson la grabó en Ricky Sings Again (1959).

En la colección que Charley Pride dedicó a Hank Williams, There’s a Little Bit of Hank in Me (1980), también aparece esta canción. Escuchémosle en una aparición promocional en televisión.

Otro de los grandes del country, George Jones, la incluyó en su George Jones Salutes Hank Williams (1960).

Emmylou Harris o cómo sacar el máximo provecho de la colaboración con otros artistas

emmylou
Nacida en Alabama en 1947, la pasión de Emmylou Harris por la música despuntó ya en la adolescencia, y abandonó sus estudios universitarios para probar fortuna con su arte en Nueva York. En 1969 apareció su primer álbum, Gliding Bird, en el sello Jubilee Records, y su carrera alzó el vuelo tras conocer a Gram Parsons, con quien colaboró en su disco póstumo Grievous Angel (1974), uno de los máximos exponentes del country-rock. Al año siguiente, firmó con Reprise Records, donde apareció Pieces in the Sky, junto con Elite Hotel uno de sus mejores trabajos para esta discográfica. En 1979 fichó por Warner Bros. y alcanzó un nuevo éxito con Blue Kentucky Girl, cincelado ya por un country más tradicional. A principios de los 90, sus ventas declinaron ligeramente, y se unió a Elektra Records, donde grabó un par de álbumes antes de fichar por Nonesuch Records, que hoy en día la sigue hospedando.
Harris puede presumir de haber trabajado con los más grandes de la música country de su generación: Roy Orbison, John Denver, Willie Nelson, Rodney Crowell; o con las damas Dolly Parton y Linda Ronstadt, que nos regalaron el mítico Trio (1987). También ha colaborado con otras figuras ajenas al género, como The Band o Bob Dylan. Desde 1992, forma parte del Grand Ole Opry, y hasta la fecha ha ganado 12 premios Grammys, el último de ellos –con Rodney Crowell– por Old Yellow Moon, mejor álbum de Americana. Según la RIAA (Asociación Americana de la Industria de la Grabación), sus ventas superan los cinco millones de discos sólo en Estados Unidos.
Beneath Still Waters fue compuesta por Dallas Frazier y Charles Rains. Harris la incluyó en su disco Blue Kentucky Girl (1979), y el single llegó al primer puesto de la Billboard el año siguiente. La balada dice que “bajo las aguas tranquilas hay grandes olas; aunque no se nota en la superficie, sé que algo va mal: tu amor ha desaparecido”.

Escuchemos a la australiana Diana Trask en esta grabación de 1970.

El año anterior George Jones la había grabado para su álbum My Country.

Finalmente, la reina del bluegrass Rhonda Vincent la incluyó en su último álbum, Only Me, aparecido en enero de 2014.

Highwayman. Jimmy Webb, 1977

el mirage
Esta canción, más allá de sus valores musicales, es muy importante en la historia de la música country, ya que su título sirvió de inspiración a un potente grupo, The Highwaymen, formado por cuatro de los grandes: Johnny Cash, Willie Nelson, Kris Kristofferson y Waylon Jennings, en activo entre 1985 y 1995.
Jimmy Webb, su creador, fue el alma de los grandes éxitos de Glen Campbell (Galveston, Wichita Lineman, By the time I get to Phoenix), y trabajó, asimismo, con personalidades de la talla de Art Garfunkel, Linda Ronstadt, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Dionne Warwick o John Denver. Desde 1986, es miembro del Salón de la Fama de los Compositores.
La principal gracia de este tema es que el narrador es un muerto que va recordando sus diversas reencarnaciones. Es un hombre de la carretera que antaño vivió como salteador de caminos, “con una espada y una pistola a su lado” –en alusión a Jonathan Wild, miembro del hampa londinense del siglo XVIII que acabó en la horca–. “Las doncellas –relata– perdían sus joyas en sus manos y los hombres derramaban su sangre”. Después fue marinero en una goleta; cuando el barco naufragó, le dieron por muerto. Por último, trabajó como constructor de diques, hasta que un día resbaló en Boulder, Colorado, cayó al cemento y le enterraron “en una tumba que no conoce sonido” –se refiere, en este caso, a la presa Hoover, construida durante la Gran Depresión y tristemente célebre por los muchos accidentes laborales que hubo en ella–. Aun así, su espíritu vive, y volará en una nave espacial por el universo hasta que alcance la paz o “simplemente sea una gota de lluvia, pero siempre estaré ahí”.
Escuchemos la primera grabación del tema, que debemos a su propio autor, Jimmy Webb. Apareció en el disco El Mirage.

Glen Campbell la grabó en 1978, pero su sello Capitol, empeñado en que cambiara de registro, no quiso sacarla. Finalmente, la publicó en su álbum Highwayman (1979).

La versión más conocida, con diferencia, es la del grupo del que os hablaba al principio, The Highwaymen, que reportó a Webb un Grammy a la mejor canción country en 1985 y permaneció nada menos que 20 semanas en lo alto de las listas.

El grupo Arbouretum la versionó en 2011 para su cuarto álbum, The Gathering.

Suave y tiernamente

softly and tenderly
El Lunes de Pascua es festivo en algunas comunidades españolas (Cataluña, Comunidad Valenciana, Islas Baleares, País Vasco, Navarra, La Rioja, Castilla-La Mancha y Cantabria). Desde la perspectiva litúrgica, celebramos el mismo acontecimiento que el Domingo de Resurrección. El nombre proviene de la pascua judía o pesaj que, en el calendario judío, se celebra el 15 del mes de Nisán.
Como estos últimos días, la entrada de hoy estará dedicada a otra canción gospel, en este caso Softly and tenderly, uno de los himnos cristianos más conocidos. Fue escrito en torno a 1880 por Will L. Thompson, autor de otros himnos gospel, si bien este es el más popular. La canción ha sonado en las bandas sonoras de Regreso a Bountiful (Peter Masterson, 1985) o El último show (la última de Robert Altman, 2006), entre otras.
La letra hace referencia a la cita del evangelio según San Mateo: “Venid a mí los que estéis cansados que Yo os aliviaré”. “Suave y tiernamente Jesús nos llama a ti y a mí, a todos lo pecadores, venid a casa; aunque hayamos pecado tiene misericordia y perdón para ti y para mí”.
La grabación de Johnny Cash pertenece al disco Gospel Glory (1992). Dos meses después de su muerte, salió un disco recopilatorio con cinco Cds, Unearthed (2003), donde también figuraba.

Os dejo con la versión de Willie Nelson.

Ahora es el turno de Randy Travis en su trabajo Worship & Faith (2003).

La portentosa voz de Josh Turner nos ha dejado esta maravillosa versión.

Dos de las mejores voces femeninas del country, Linda Ronstadt y Emmylou Harris, cantan a dúo este clásico.

Alan Jackson la incluyó en su álbum Precious Memories (2006).

La versión de Charlie Daniels Band fue nominada al Grammy al mejor álbum bluegrass y country en 2003.

Coat of Many Colors. Dolly Parton, 1971

CoatofManyColors
La carrera de Dolly Parton dio un salto cuántico con la publicación de su octavo disco de estudio, Coat of Many Colors, titulado como la mejor canción de la artista, según ella misma ha declarado. El disco fue publicado por el sello RCA Nashville y producido por Bob Ferguson.
Escuchemos Travelin’ Man, que volvería a grabar para su disco Bubbling’ Over (1973). Esta es la versión original. Como los grandes clásicos del country, cuenta una historia muy peculiar: un viajante llega a una localidad y se enamora de la hija de una de sus habitantes. La madre no aprueba esta relación, y no por razones morales –la hija es mucho menor que su pretendiente–, sino porque también ella se ha enamorado del tipo, y al final se fuga con él.

El disco conoció dos singles, el tema que da título al disco, Coat of Many Colors (ya escuchado aquí), y este My blue tears, en el que la compositora ruega a un pájaro cantarín y malasombra que abandone su ventana, porque el único que la ha amado se ha ido y no está de humor para escuchar más canciones tristes.

Años más tarde, Parton, junto con Linda Ronstadt y Emmylou Harris, versionaron de nuevo esta canción, que vio la luz en el álbum Get Closer (1982), de Ronstadt. Os dejo con ella.

Otro tema del disco reinterpretado en otro de sus discos –concretamente en Jolene (1974)– es Early morning breeze, un canto a la naturaleza que nos describe el esplendor de una mañana acariciada por la brisa matinal.

En 2007 se reeditó el álbum en formato CD con cuatro temas adicionales. Por ejemplo, este Just as good as gone.

I will always love you. Dolly Parton, 1973

i will always love you
Aunque la balada que vamos a escuchar hoy fuera popularizada por el cine en los años 90, había sido escrita veinte años antes por Dolly Parton. Lo hizo en 1973 para Porter Wagoner, su compañero profesional de entonces, aunque éste no llegó a grabarla, dejando todo el protagonismo a Parton.
La canción apareció en el álbum Jolene (1974) y, desde ese instante, cosechó una gran popularidad y conquistó el número 1 en las listas. Por su interpretación, la artista mereció el premio a la mejor vocalista femenina de la Asociación de la Música Country.
El cine no tardó en “apropiarse” de ella, como podemos comprobar en la banda sonora de Alicia ya no vive aquí (1974), de Martin Scorsese. Posteriormente, en 1982 (tal como apuntó Raúl en La guitarra de las musas), Parton la cantó en La casa más divertida de Texas.
Elvis Presley se interesó por ella, pero, cuando Dolly supo que el rey del rock cobraba la mitad de los derechos de autor, la artista se negó. Esta es la original de Dolly Parton.

Linda Ronstadt la grabó en 1975, dentro de su disco Prisoner in Disguise.

Curioso: I will always love you es uno de los temas preferidos por los concursantes de formatos televisivos como American Idol o La voz para ponerse a prueba; pero muy pocos saben que esta no es la canción de Whitney Houston, sino la de Dolly Parton, tal como ha señalado su productor Danny Nozel. En efecto, la canción volvió a estar en boca de todos merced a la conocidísima versión, con un toque rhythm and blues, de Whitney Houston para la cinta El guardaespaldas (1992). La malograda Houston obtendría un Grammy por ella en 1994. Parton le agradeció que popularizara su tema, y volvió a hacerlo tras la muerte de Whitney en febrero de 2012.

En 1995, la Reina del Country colaboró con Vince Gill para una nueva versión de la canción. Escuchemos a Vince Gill en solitario.

Blue Bayou. Roy Orbison y Joe Melson, 1963

Linda_Ronstadt_Blue_Bayou_single_cover
Esta canción habla –susurra más bien– de los deseos de volver a las raíces, aquí simbolizados por los pantanos azules (“blue bayou”) de ciertos estados sureños, en particular de las inmediaciones del río Mississippi. Como dice la letra, ”si pudiera ver ese amanecer familiar a través de ojos somnolientos, qué feliz sería”. Escuchemos primero la grabación del propio autor, Roy Orbison. Aunque el single salió en 1963, había sido grabado dos años antes, y tuvo más éxito en Europa que en Estados Unidos, donde pasó prácticamente desapercibido.

El verdadero éxito llegó de la mano de Linda Ronstadt en 1977. Fue su canción más emblemática y en menos de un año vendió más de un millón de discos.

El triunfo determinó a Ronstadt a grabarla en español a finales de ese mismo año, 1977.

Alejada de la música country, Nana Moskouri también versionó este clásico en alemán con el título Ich will heim zu dir, Blue Bayou (“Quiero ir a casa contigo, Blue Bayou”).

Y ya que estamos con diferentes idiomas, escuchemos la versión en francés de Mireille Mathieu.

Crazy. Willie Nelson, 1961

crazy patsy
Hoy os traigo una de las mejores canciones de la historia de la música country, cuyo éxito le ha hecho cruzar la frontera a géneros como el jazz, el pop o el folk rock. Fue escrita por un entonces casi desconocido joven de 28 años. Y es justo preguntarse: ¿Qué habría sido de la música country sin él? Me refiero, claro, a Willie Nelson, que empezó su carrera escribiendo canciones para artistas de prestigio. Esta, en concreto, se la ofreció a Billy Walker, que la rechazó –¡gran error!– por considerarla una “canción de chicas”. Willie, buen amigo del marido de Patsy Cline, Charlie Dick, con quien solía coincidir en un bar de Nashville, le mostró la maqueta, y Dick propuso a su esposa que la grabara. Al principio, tampoco ella estaba muy convencida (acababa de sufrir un accidente de tráfico y tenía molestias al cantar), pero su productor Owen Bradley la convenció y no tardó en convertirse en su mayor éxito. Loretta Lynn, gran amiga de Patsy, recordó en una entrevista que la primera vez que Cline la interpretó en el Grand Ole Opry lo hizo con muletas.
Con posterioridad, la canción ha conocido multitud de versiones, como las de LeAnn Rimes –que cantó en la Casa Blanca ante George Bush padre–, Linda Ronstadt, Kenny Rogers, Dottie West o incluso Julio Iglesias. El último artista que la ha grabado es Neil Young en su disco A letter home (abril de 2014).
La protagonista se lamenta por su amor perdido con estas palabras: “Estoy loca por pensar que mi amor podría retenerte, loca por llorar, loca por intentarlo y loca por amarte”. Escuchemos la versión original de Patsy Cline, con esa calidez vocal que hizo de ella una de las grandes damas del country.

Os dejo ahora con la versión de LeAnn Rimes.