Jim Ed Brown nació en 1934. Tenía dos hermanas, Maxine y Bonnie y, desde su adolescencia, los tres cantaban juntos. Los dos mayores, Jim y Maxine –esta última fallecida hace unos días– firmaron un contrato como dúo, y al año siguiente se les unió la menor y fundaron The Browns.
Empezaron con éxitos como Looking Back to See (ya escuchada aquí), Here Today and Gone Tomorrow, I take the Chance o I Heard the Bluebirds Sing, que escucharemos luego. Cuando Jim volvió del ejército, reanudaron la tarea y triunfaron con Three Bells, también escuchada aquí, que llegó al primer puesto de las listas. En 1963, Jim Ed Brown se unió al Grand Ole Opry –donde permaneció como miembro activo más de 50 años, hasta su muerte en junio de 2015– y, en 1967, se disolvió el grupo.
Brown continuó su carrera en solitario y se mantuvo en primera plana del country. No le iba mal, pero se sentía más en su salsa formando parte de un grupo o en un dúo. Así, en 1976 empezó a colaborar con Helen Cornelius, con quien hizo varios dúos muy populares en la segunda mitad de los 70. En los años 80 se centró en el mundo de la radio, donde llegó a tener un programa propio de música country. Pocos meses antes de su muerte, el Salón de la Fama de la música country anunció que ingresaría en él, junto con sus hermanas, por su contribución al género.
Escuchemos uno los primeros éxitos de su carrera, tras firmar con RCA Victor. I Heard the Bluebirds Sing es una canción country, con elementos bluegrass, obra del canadiense Hod Pharis y grabada por The Browns en 1956. El tema dominó la lista de las canciones más escuchadas un año después, con la historia de un amor que se prolonga varias décadas, hasta la vejez de la pareja.
Escuchemos la interpretación de Kris Kristofferson y Rita Coolidge para su álbum de dúos Full Moon (1973).
Marty Robbins la incluyó en Good ‘n Country (1974).
Después de casi tres meses y medio nos despedimos de esta serie con los hermanos Dixon, Dorsey (1897-1968) y Howard (1903-1960).
Nacidos en el seno de una familia numerosa de Carolina del Sur, a temprana edad abandonaron el colegio para trabajar y contribuir, así, al sustento de los suyos. Dorsey tenía doce años y Howard diez cuando se colocaron en la fábrica textil de su pueblo y experimentaron en sus carnes la dureza de las condiciones laborales (luego escucharemos algún tema en el que rememoran cómo era la vida en las fábricas de tejedores).
Como vía de escape se refugiaron en la música. A los 14 años, Dorsey ya sabía tocar la guitarra, que luego abandonaría por el fiddle, mientras que su hermano menor, Howard, se seguía ejercitando con el primer instrumento. A la sazón, su principal influencia era Jimmy Tarleton, quien había trabajado para el dúo Darby and Carleton.
A principios de los años 30 solían tocar juntos a nivel local, pero su fama no llegaría hasta 1934, cuando empezaron a aparecer asiduamente en la radio. Esa visibilidad les valió su primer contrato discográfico, dos años más tarde, con RCA Victor. Allí desplegaron una febril actividad que se vio interrumpida por el estallido de la Segunda Guerra Mundial: el interés del público decayó y, para el final de la misma, su carrera estaba prácticamente finiquitada. Volvieron, pues, a la industria textil, pero Dorsey no tardó en abandonar el trabajo por problemas de salud y Howard, que se resistió a hacerlo, murió en 1960 por las malas condiciones del negocio. Su hermano lo siguió a la tumba ocho años más tarde.
Uno de los primeros temas que grabaron fue Intoxicated Rat, compuesta por Dorsey Dixon. Se trata de una canción humorística sobre un hombre que llega borracho a casa, se le derrama un poco de alcohol en el suelo y, atraída por él, una rata sale de su escondite, lo prueba ¡y parece que le gusta! «Ni un gato podría hacerme volver a la ratonera», piensa. Finalmente, aparece el aludido gato pero, gracias al valor que le ha infundido la bebida, la rata es más rápida que él y se pone a salvo.
Vamos ahora con un tema góspel, Have Courage to Only Say No, en la que el narrador insta a tener el valor necesario para decir “no” a la tentación.
En 1929, Dorsey escribió un poema sobre un incendio en una escuela, y entendió que la letra podía ser cantada con la melodía de un himno góspel muy conocido en aquel tiempo, Life’s Railway to Heaven (que ya hemos escuchado aquí). Terminó grabándola en 1936. La letra de The School House Fire está inspirada en la tragedia del colegio de Collinwood (Ohio), que tuvo lugar en 1908 y terminó con la vida de 172 niños, dos profesores y un miembro de las fuerzas de rescate.
Vamos ahora con otro tema que sigue la melodía del himno góspel citado anteriormente, Life’s Railway to Heaven. Weaver’s Life se basa en los años que los hermanos pasaron en la fábrica textil. La grabaron en 1937.
Con esa misma temática, Weave Room Blues.
Y otra más, una tercera: Babies in the Mill Dorsey cuenta cómo los niños de ocho y nueve años se veían obligados a trabajar en las fábricas, descuidando su educación y soportando las inclemencias del tiempo.
Dorsey Dixon compuso Didn’t Hear Nobody Pray en 1937, tras un grave accidente de tráfico, y la grabó al año siguiente. Roy Acuff la interpretó en 1942 con el título Wreck on the Highway y la convirtió en un gran éxito. Llegó a registrarla como suya, lo que provocó una demanda de Dixon que, en 1946, salió adelante. A partir de entonces, le fue dado cobrar sus derechos como compositor, pero no hizo caja con las ventas de los años anteriores. La canción habla de un accidente automovilístico que suscita el interés de la población local, pero el narrador se lamenta de que nadie de los presentes rezara por los fallecidos.
Nos despedimos con un poco de historia. En 1920 se decretó en Estados Unidos la Ley Seca; sin embargo, y sobre todo en las zonas rurales, la gente seguía destilando alcohol ilegalmente en sus granjas. Cuando Roosevelt llegó al poder en 1933, una de sus primeras medidas fue derogar la ley, dando así fin a la Era de la Prohibición. En este marco se encuadra The Old Home Brew. El narrador, aunque se alegra de que el alcohol vuelva a ser legal, se pregunta qué van a hacer con todas las reservas que tenían preparadas…
Hoy os voy a hablar de un dúo de música country instrumental formado por los hermanos Hugh y Karl Farr. Hugh nació en 1903 y fue poco menos que un niño prodigio de la música; cuando nació su hermano Karl en 1909, ya se manejaba con la guitarra y muy pronto aprendería también a tocar el violín o fiddle. Karl también poseía unas excelentes dotes musicales: empezó con la mandolina y el banjo, y terminó siendo un gran guitarrista. En un principio formaron un grupo con su hermano Glen, virtuoso de la mandolina, y así se mantuvieron hasta 1928, cuando este abandonó el trío y los dos hermanos prosiguieron su andadura en solitario.
Entre 1929 y 1933 estuvieron en el grupo californiano Len Nash and his Country Boys. Un año después, The Pioneers –luego Sons of The Pioneers– propusieron a Hugh unirse a sus filas para tocar el fiddle. Éste aceptó y movió los hilos para incorporar a su hermano en 1935. Fue en ese grupo donde desarrollaron el resto de su carrera.
Cuando al célebre director de orquesta Leopold Stokowski le preguntaron quién era, en su opinión, el mejor violinista del momento, citó a dos: uno de ellos era Hugh Farr.
Karl murió de un ataque al corazón en 1961 y, tras intentar continuar su carrera con escaso éxito, Hugh nos dijo adiós en 1980.
Los Farr tomaron una canción de jazz escrita por Fred Rose en 1926, Deed I Do, y la grabaron en los años 30.
Escuchemos su grabación de Cajun Stomp, aparecida en octubre de 1935.
Un buen ejemplo de western swing es Swinging the Bow, que vio la luz en 1941.
De 1942 es Farr Away Stomp, que alcanzó gran popularidad y fue reeditada en 1955.
En 1947 hicieron varias grabaciones para RCA Victor. Escuchemos en primer lugar Texas Skiparoo. Al bajo, Pat Brady.
Vamos ahora con otro instrumental, South in My Soul (1947).
En la cara A de ese disco aparecía Farr Away Blues, también obra de los hermanos Farr.
La entrada de hoy va a estar dedicada a un pionero del country o, más bien, del country-blues.
DeFord Bailey nació en 1899. Antes de la guerra de Secesión, sus abuelos habían sido esclavos. De pequeño aprendió a tocar la armónica, de la que se convirtió en un gran virtuoso. Practicaba con ella a todas horas: en su niñez sufrió de polio y pasaba en cama largos períodos de tiempo.
A los 18 años se trasladó a Nashville, donde solía tocar como aficionado. Fue descubierto por uno de los fundadores de las emisiones del Grand Ole Opry y, en 1927, tres años después de que esta institución abriera sus puertas, se estrenó allí. Convirtió su tema de cabecera Pan American Blues (que luego escucharemos) en la melodía que abría el programa radiofónico. Un año más tarde grabó ocho pistas para RCA Victor en Nashville, en lo que se cree fueron las primeras grabaciones realizadas en la capital de la música country.
Hasta 1941 Bailey fue una presencia constante en el Opry, pero dejó de aparecer por allí por un conflicto de intereses que afectaba a una discográfica, que no le permitía actuar en la radio. Su carrera se eclipsó. Murió en el olvido en Nashville en 1982.
Años después de su muerte empezó a reivindicarse su figura y se presentó una selección de sus grabaciones en los discos The Legendary DeFord Bailey (1998) o Harmonica Genius: DeFord Bailey (2011). También su vida fue objeto de un documental, DeFord Bailey: A legend lost (2005), el mismo año en que fue nombrado a título póstumo miembro del Salón de la Fama de la música country.
Escuchemos ya algunas de sus grabaciones, con la armónica como instrumento estrella. En primer lugar, su grabación más conocida, Pan American Blues. Se trata de una melodía que imita el movimiento de la locomotora de un tren a toda velocidad. El Pan-American existió realmente: trazaba su recorrido entre Cincinatti (Ohio) y Nueva Orleans entre los años 1921 y 1971.
Otra muestra de su habilidad con la armónica es este John Henry, un tema del folklore muy popular en aquella época.
El condado de Tennessee al que pertenece Nashville, Davidson, da nombre a Davidson County Blues.
Ahora una grabación de blues en la que podemos escuchar su voz, Black Man Blues.
Termino con Muscle Shoals Blues, dedicada a Muscle Shoals (Alabama).
En una entrada anterior os informaba de la ceremonia de este año del Salón de la Fama de la Música Country, celebrada el pasado 16 de mayo y en la que entraron tres nuevos miembros. Hablemos hoy sucintamente de su historia.
Allá por 1961 la Asociación de Música Country tuvo la idea de crear esta institución, que también alberga un museo con sede en Nashville. Desde el citado año se han venido sumando miembros al Salón de la Fama –a excepción de 1963, cuando ningún candidato obtuvo los votos suficientes–, siempre con un nexo en común: reconocer la contribución al avance de la música country en cualquiera de sus facetas (comercial y creativa). Hasta el día de hoy este selecto grupo cuenta con 130 miembros, de los cuales 16 son mujeres (solo un 12%). Y una curiosidad: Roy Rogers ingresó dos veces, en 1980 como componente del grupo Sons of the Pioneers y, en 1988, en solitario (ver aquí biografía de Roy Rogers).
Los primeros miembros que alcanzaron este honor fueron Jimmie Rodgers, Hank Williams y Fred Rose. De los dos primeros ya hemos hablado en alguna ocasión (aquí podéis ver sus reseñas biográficas), de modo que nos centraremos en el tercero en discordia, Fred Rose.
Mientras que Williams y Rodgers eran intérpretes de música country, Rose fue un compositor y editor, menos conocido, por tanto, para el gran público. Nacido en 1897 o 1898, es uno de los pocos hijos del siglo XIX miembros del Salón. Al principio de su carrera, escribió varios éxitos de música ligera, sobre todo de vodevil, en el Tin Pan Alley neoyorquino. A partir de los 40 empezó a adquirir importancia en la música country a raíz de su aparición en el Grand Ole Opry, acompañando a la estrella del momento, Roy Acuff. Junto con él formó la discográfica Acuff-Rose, que alcanzó un gran éxito tras el fichaje del gran Hank Williams y que persistiría en el mercado hasta 1985. Como cazatalentos, propició que Capitol Records firmara con The Louvin Brothers o que Rosalie Allen fuera contratada por RCA Victor; y otra prueba de su vista comercial es que fue, con Gene Autry, el artífice del tema Be Honest With Me, candidato al Oscar y éxito de ventas en 1941, una pieza de la banda sonora de Ridin’ on a Rainbow.
Sobrevivió un año a su principal fichaje, Hank Williams, y falleció en diciembre de 1954, por lo que su entrada en el Salón de la Fama fue a título póstumo.
Entre sus muchas canciones sobresale el clásico Blue Eyes Cryin’ in the Rain, Kaw-Liga, junto a Hank Williams, o Texarkana Baby (todos ellos escuchados aquí). Revisemos algunos de sus otros éxitos. Wait for the Light to Shine, cantada por Hank Williams.
Afraid, interpretada aquí por Willie Nelson en su álbum Moonlight Becomes You (1993).
We’ll Rest at the End of the Trail fue una de sus primeras composiciones de los años 30. Escuchémosla en la voz de Jimmy Wakely.
Seguimos con la historia de la familia Carter, y nos centramos hoy en unos años decisivos. Su creciente popularidad hizo que pudieran mudarse a otros sellos discográficos de más renombre. En 1935, firmaron con ARC (American Record Corporation), un duro golpe para la RCA Victor, que se quedó así sin su mayor fuente de ingresos, toda vez que Jimmie Rodgers –que también trabajaba para ellos– había muerto en 1933.
Como el copyright de las canciones no les pertenecía a ellos, sino a la RCA Victor, tuvieron que grabarlas otra vez para su nueva casa, y a esta tarea se aplicaron con denuedo en varias sesiones durante el mes de mayo de 1935. Una de las canciones revisadas fue la famosa Can the Circle Be Unbroken, una de las primeras que escuchamos en este blog, y I’m Thinking Tonight of My Blue Eyes, que también ha sonado por aquí.
En 1936 firmaron con Decca Records, una discográfica que todavía existe y en cuya nómina refulgieron artistas como Ernest Tubb, Bing Crosby, Al Jolson, Kitty Wells, Red Foley, Webb Pierce, Louis Armstrong, Billie Holiday o Patsy Cline. Nacida en Reino Unido en 1929, en 1934 abrieron una sucursal en Estados Unidos.
Nuestro recopilatorio contiene varias grabaciones de 1936. Escuchemos sin más dilación algunas de ellas.
Empezamos con Are You Lonesome Tonight. Aunque todo el mundo asocia esta canción a Elvis Presley, en realidad fue escrita en 1926 por Lou Handman y Roy Turk. He aquí la versión de la familia Carter, que tampoco fue la primera, ya que Charles Hart se les había adelantado en 1927.
En My Dixie Darling, escrita por A.P. Carter, un hombre da una serenata de banjo a su novia de Dixie.
Give me your Love and I’ll Give you Mine es otra composición de A.P. Carter. “Ven conmigo a nuestro rincón en la sombra, donde las flores florecen al lado del arroyo, dame tu amor y yo te daré el mío”, susurra su letra.
When Silver Threads Are Gold Again habla del paso del tiempo para una pareja de enamorados. “Cariño, estamos envejeciendo y nuestros cabellos se ven de plata, las arenas del tiempo han robado todo el oro que hacía bellos nuestros jóvenes rizos, pero los años no pueden robar un amor que no envejecerá nunca”.
La protagonista de Jealous Hearted Me es una mujer celosa a la que no le importa que le quitan el dinero: solo pide a las demás mujeres que dejen en paz a su hombre.
Aunque los miembros de la familia Carter siguieron trabajando juntos, el matrimonio se separó en 1933. Durante una de las numerosas y prolongadas ausencias de A.P. Carter para rastrear canciones, adaptarlas e incluirlas en su repertorio, Sara se enamoró del primo de A.P., Coy Bays. Para no romper el matrimonio, la familia de Coy se trasladó a California, pero Sara ya no quiso volver con A.P. y le abandonó, dejándole a cargo de sus hijos. Su jefe, Ralph Peer, junto con su mujer Anita les convencieron de que, aunque estuviesen separados, siguieran actuando juntos, y hay que señalar que este período fue muy fructífero.
Aquel año, en el mes de junio, hicieron una sesión de grabación en los estudios de la RCA Victor en Nueva Jersey. Escuchemos dos muestras de la misma.
En I Never Will Marry un hombre está paseando por la orilla del mar cuando escucha el lamento de alguien que se acaba de separar y jura que nunca volverá a casarse.
Home By the Sea es una de las pocas grabaciones de la familia Carter que introduce el yodel (popularizado por su coetáneo, Jimmie Rodgers). El narrador recuerda su hogar junto al mar.
En 1934, la familia ejecutó dos sesiones de grabación: una en mayo y otra en diciembre, ambas en Camden, Nueva Jersey.
La canción que vamos a escuchar, Faded Coat of Blue, se remonta a la Guerra de Secesión; cuando A.P. Carter la descubrió, hizo su propia versión. Narrada por la madre del protagonista, habla de un soldado que ha muerto y que, desde la tumba, dice: «Dadme un poco de agua y una migaja de pan, mi madre os bendecirá, y decidle a mi amable y fiel hermana que la encontraré en el cielo con mi desgastado abrigo azul».
Años después, el escocés John McDermott realizó esta espléndida versión.
Termino con un espiritual negro que A.P. halló en el curso de sus viajes por los Apalaches. There’s No Hiding Place Down Here data de principios del siglo XX.
Esta canción, con música de Steve Nelson y letra de Bob Williard, representó un gran éxito para Eddy Arnold, el primer artista en grabarla, y se convirtió en su quinto número 1. Se mantuvo nada menos que 54 semanas en las listas (aunque no todas en el número 1, claro está), lo que significó todo un récord para un single que, de hecho, no fue superado hasta 2010 con Lee Brice y su Love Like Crazy.
En la letra, el protagonista recuerda con añoranza a su pareja, que le ha abandonado pero de la que sigue enamorado («a medida que la puerta del amor entre nosotros se cierra, las lágrimas caerán como los pétalos cuando nos separamos»), y le envía «un ramo de rosas, una por cada vez que le rompió el corazón».
Escuchemos la versión original de Eddy Arnold junto con su grupo Tennesssee Plow Boys en el single que salió en 1948 de la mano de RCA Victor.
Marty Robbins la incluyó en su álbum The Song of Robbins (1957).
Mickey Gilley la recuperó para su disco Overnight Sensation (1976).
Clint Eastwood también ha hecho sus pinitos en el mundo de la canción. Os dejo con su versión de este tema.
Ahora, una versión instrumental debida a uno de los mejores pianistas country, Floyd Cramer.
Carl Smith, llamado Mr. Country, la ha grabado en varias ocasiones, la primera de ellas en su álbum Man With a Plan (1966).
A la manera de las estrategias de marketing de hoy en día, que reúnen a varios artistas famosos para una grabación, en julio de 1931 la RCA Victor hizo lo propio y sentó así un precedente. En la sesión de Louisville, Kentucky, la discográfica citó a los mayores iconos de la música hillbilly de la época, Jimmie Rodgers y la familia Carter. Escuchemos esta grabación.
Ahora, tres temas que se “enlataron” en febrero de 1932 en Atlanta, Georgia.
El primero es de corte religioso: hace referencia a la tierra donde seremos eternamente jóvenes, el cielo: “He oído sobre una tierra en una playa lejana. Es el hermoso hogar del alma construido por Jesús en las alturas; allí nunca moriremos, es una tierra donde nunca envejeceremos”. Vamos ya con este Where We’ll Never Grow Old, un góspel escrito tal vez en 1914 por James C. Moore.
En 1962 Jim Reeves la incluyó en su álbum We Thank Thee.
Tell Me that You Loved Me habla con amargura de la separación que vivieron los protagonistas en el río, mientras “la luna nos miraba, las estrellas parecían orgullosas, el río murmuraba al mar, las gotas de rocío besaban las rosas que se sonrojaban”.
En Happiest Days Of All el narrador recuerda en su vejez los días felices que pasó junto a su amada, recogiendo conchas en el mar: “Aunque mis cabellos están plateados y grises, los votos que hicimos en la orilla están frescos en mi recuerdo”.
En el programa de radio que comenzaron a hacer a partir de 1938, fruto de su contrato con la cadena de radio XERA (con sede en México pero cerca de la frontera con Texas), interpretaron una versión reducida de esta canción. Está fechada en 1939.
1929. La familia Carter hila un éxito tras otro en el seno de la Victor Talking Machine. Ese año realizó sendas sesiones de grabaciones: la primera en el mes de febrero, en la sede de la citada compañía en Nueva Jersey, y la otra en Atlanta, un territorio sureño más proclive al consumo de su música, a finales de noviembre.
Fue aquel un año de temblores en la matriz. Su dueño, Eldridge Johnson, la puso a la venta, y la RCA (Radio Corporation of America) la compró, dando lugar a la RCA Victor. Nuestro recopilatiorio cuenta con varias grabaciones de las sesiones de Atlanta. Escuchemos algunas de ellas.
La primera, Wabash Cannonball (cuya versión más conocida, la de Roy Acuff, ya escuchamos aquí), data de finales del siglo XIX. La familia Carter hizo una de las primeras grabaciones del tema en 1929, si bien el disco no salió hasta 1932.
Motherless Children es una canción tradicional, grabada por primera vez por el bluesman Blind Willie Johnson en 1927. La familia Carter lo hizo dos años más tarde. En la letra, cada estrofa comienza con las palabras «Los niños sin madre atraviesan tiempos difíciles en este mundo».
Las sesiones de 1930 tuvieron lugar en mayo y noviembre en el auditorio de Memphis (Tennessee).
Escuchemos primero Lonesome Pine Special, sobre un tren ficticio, el Lonesome Pine del título, que se dirige a Texas. El protagonista no puede esperar a montarse en él, ya que allí lo espera la chica de sus sueños y tiene una cabaña en propiedad.
Finalmente, otra canción de trenes, The Canonball, una de las pocas grabaciones de la familia Carter que no está cantada por Sara, sino por el único miembro masculino del grupo, A.P. Carter, que a veces acompañaba a Sara en el trabajo vocal y aquí lo hizo en solitario.
River of country 